История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения

Если для Пикассо и Дали обращение к известному шедевру из прошлого было лишь одним из способов самовыражения, то у художника-постмодерниста эта тенденция будет усиливаться, порой доходя до абсурда и настоящего издевательства. Иногда классический образ используется без какой-либо переработки, но при этом выступает в новой непривычной роли.

Именно конец ХХ столетия стал эрой ремейков и кавер-версий, иногда цитирование даже становится основным методом создания произведения. Художники обращаются не только к классическим образцам, но и к современным, беря за основу самые известные, популярные и даже банальные источники — рекламу, комиксы, популярные издания. Американский художник Рой Лихтенштейн создавал работы, копируя иллюстрации из журналов: он выбирал фрагмент картинки и увеличивал его масштаб. При этом ему было важно сохранить эффект печатного изображения, и в его работе «Безысходность» видны маленькие точки — печатный растр.

» Важнейшим героем искусства второй половины ХХ века становится вещь — в противовес абстрактному, беспредметному искусству.

Ещё в начале столетия Марсель Дюшан заявил, что произведением искусства может стать любой предмет, и новая роль вещи в искусстве началась с дадаистов. Затем это продолжилось в творчестве Сальвадора Дали, который создавал сюрреалистические арт-объекты, соединяя различные предметы между собой: например, «Телефон-лобстер».

Однако мастера конца ХХ века отдают предпочтение предметам, связанным со сферой потребления; как правило, это объекты массовой культуры.

Для постмодернизма это стало одним из способов говорить о разрушении системы ценностей в культуре и обществе, насмешкой над зрителем, потребляющим искусство как любой другой продукт. Художники постмодерна предпочитают фиксировать весьма специфические объекты. Часто это предметы бесполезные, не заслуживающие внимания в обычных обстоятельствах — мыльные пузыри, пластиковые игрушки, еда и прочие предметы из обычной жизни. Иногда с такой же точностью создаются портреты и пейзажи; примеры подобного подхода есть и в скульптуре.

Но помимо восхищения техникой, эти произведения вызывают у зрителя закономерный вопрос: зачем делать то, что может фотография? Но сами работы как бы говорят, что, несмотря на невероятные способности, художник может лишь повторить, скопировать нечто уже существующее в природе или в искусстве. То есть «вечно подражать тому, что написано прежде», как утверждал Барт.

Вопрос «зачем?» — это один из наиболее часто задаваемых современным художникам. Однако иногда ответ лежит на поверхности — например, работы часто связаны с политикой. Отчасти это связано с большей информированностью благодаря техническому прогрессу. Как правило, политическая ситуация, к которой отсылает произведение, тоже подаётся через высмеивание, с иронией и оттенком абсурда.

Деконструкция, разрушение смыслов становится своеобразной игрой со зрителем. Художник как бы предлагает нам самим создать произведение, и для этого он использует многочисленные оптические приёмы, показывает разные точки зрения на изображение, специально закладывая разные возможности для интерпретации. Или просто физически поучаствовать в процессе — скажем, Энди Уорхол предлагает смотрящему самостоятельно раскрасить картину. Такие же приемы используются и в литературе — писатель Хулио Кортасар в романе «Модель для сборки» делает читателя соавтором текста, позволяя тому конструировать его по своему усмотрению.

Заключение

ХХ век — время сложное и противоречивое, как и его искусство. Одна из очевидных тенденций современности — дематериализация объекта искусства, то есть полное отсутствие изображения.

Если в классическом искусстве зритель концентрировался на том, что изображено, то с появлением импрессионистов он начал задумываться и о том, как произведение создано. А к концу ХХ века многие мастера стали превращать своё творение в чистое действие, фактически спектакль. Это многочисленные хеппенинги и перформансы, результат которых — это сам процесс работы художника на глазах у зрителя, а не появление какого-либо материального объекта.

Возможно, лучшей иллюстрацией к художественной ситуации второй половины XX века могут служить работы Лучо Фонтаны, где творческое усилие мастера сведено даже не к нулю, а к некой отрицательной величине. Эти работы полностью отвергают созидательную миссию художника, вызывая недоумение, раздражение, чувство безысходности. В разрезанном Фонтаной холсте можно видеть смерть художника-творца и жизнь художника-разрушителя. Стартовав от «Чёрного квадрата» Малевича, искусство XX века описало круг и пришло к этой точке.