Влюбиться в искусство: от Рембрандта до Энди Уорхола

Но помимо ненавистников, были у Мане и поклонники: Моне, Ренуар, Дега и прочие молодые передовые художники просто сходили с ума по его работам! Мане был гораздо старше вышеперечисленных коллег и не считал себя импрессионистом. Они же видели в нем путеводную звезду и гуру. Например, Клод Моне сразу решил написать «Завтрак на траве» в своей интерпретации.

Это полотно тоже стало сенсацией. В нем появилось что-то совершенно новое для живописи: свет стал чуть ли не полноценным персонажем картины! Своенравным и непредсказуемым. До Моне освещение на полотнах было театральным, словно мольберт подсвечивался софитами. Он же писал свет реалистично, что будто переносил зрителя в центр его картин.

Здесь стоит сделать отступление и провести небольшой ликбез, как различать творчество Клода Моне и Эдуарда Мане. Легко запомнить такую шутливую формулу: Моне — это пятна, а Мане — это люди. В целом она хорошо передает суть различия. Эдуард Мане действительно часто писал сюжеты с акцентом на людях. Изображение человека у него обычно довольно объемное, хотя и не такое точное, как в академической живописи.

У Клода Моне самое важное на картине — свет и цвет, а люди уходят на второй план, как дополнение пейзажа. В фигурах нет объема, художник будто помещает их на полотно в качестве отражателей солнца. Кстати, Моне практически никогда не использовал черный, как, впрочем, и все остальные импрессионисты. Мане себя импрессионистом не считал и черный цвет использовал.

Но вернемся к борьбе традиций и новаторства в Париже 1860–1870-х годов. После нескольких Салонов молодые художники решили, что больше не хотят плясать под дудку жюри, нашли спонсоров (в основном среди родителей) и открыли собственную выставку, собравшую 174 гостя. По меркам того времени это было катастрофически мало, да и пришедшие явились ради смеха.

«Обои, и те смотрелись бы более законченными, чем это „Впечатление“. Потрясающе!» — это слова критика Луи Леруа о картине Моне «Впечатление. Восходящее солнце». Моне вошел в историю как исключительный мастер, критик — как человек, из чьего ехидного комментария родился термин импрессионизм (от французского impression — впечатление). Сначала слово звучало как насмешка, а сегодня ассоциируется с работами, которые радуют глаз и стоят заоблачных денег.

Импрессионизм не только красивый, но и умный. Этот красочный эмоциональный стиль имеет под собой научный фундамент, который создали двое людей: Гельмгольц и Шеврёль. Немецкий физик Герман Людвиг Фердинанд Гельмгольц хорошо изучил особенности человеческого зрения, которые позволяют нам «складывать» множество цветных точек в одно изображение. Это используется не только в живописи — ведь даже телекартинка складывается из множества пикселей.

Химик-органик Эжен Шеврёль был директором мануфактуры, производившей гобелены. Он знал, что существует три основных цвета: желтый, красный и синий. Смешивая их, можно получить остальные: например, если соединить желтый с красным, родится оранжевый, если синий с красным — фиолетовый. Шеврёль заметил: даже когда нитки двух цветов просто находятся рядышком, благодаря особенностям человеческого зрения происходит эффект оптического смешения.

Этой особенностью зрения пользовались художники-импрессионисты: они перестали смешивать краски на палитре и стали накладывать смелые мазки разных цветов рядом друг с другом. Вблизи это выглядело, как множество разноцветных точек, но с расстояния они сливались в единую композицию.

Второе важное достижение научной мысли, которое помогло импрессионистам сделать искусство совершенно другим — тюбики. Раньше краски хранились в маленьких мешочках, носить с собой их было невозможно: они высыхали и требовали перетирания, что легче было делать в мастерской, чем «на коленке». Поэтому художники делали зарисовки на природе, а до конца работу доводили в четырех стенах.

Импрессионистов стены не ограничивали: они брали тюбики с красками, находили красивое место, ставили мольберт — и творили. Из-за этого кто-то из современников пошутил, что в лесу и на полях художников теперь больше, чем фермеров.

В то же время начала бурно развиваться железнодорожная сеть, появились пригородные поезда. Это сделало свидания с красотой еще более доступными. Художники прыгали в поезд — и убегали из Парижа за вдохновением. Моне пошел еще дальше: приобрел лодку, которую называли «плавучей мастерской». Ему нравилось смотреть на блики от солнца не с берега, а непосредственно с воды.

Благодаря прогрессу в искусстве стала возможной, например, картина Моне «Мост в Аржентёе», где даже тени цветные (сказывается нелюбовь импрессионистов к черному).