Энциклопедия «Искусство». Часть 4. Р-Я (с иллюстрациями)

И. И. Шишкин. «Утро в сосновом лесу». 1889 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

И. И. Шишкин. «Полдень. В окрестностях Москвы». 1869 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Стилистика живописного языка Шишкина, испытавшего влияние недавно изобретённой фотографии, на протяжении всего творчества почти не претерпевала ощутимых изменений, но в кон. 1880-х гг. художник начинает уделять больше внимания передаче световоздушной среды («Сосны, освещённые солнцем», 1886). Колорит его полотен становится более мягким и гармоничным, однако интерес к пленэрной живописи (живописи на открытом воздухе) не отразился на академически чётком, строго выверенном рисунке («Дубы», «Дубовая роща»; обе – 1887; «Мордвиновские дубы», 1891; «Корабельная роща», 1898). Наряду с произведениями, воссоздающими величественный образ природы, бескрайние просторы, Шишкин с пристальным вниманием и искренним восхищением пишет «Папоротники» (1876), «Цветы на опушке леса» (1890-е гг.), «Травки» (1892), максимально приближая их к зрителю. Картина «Уголок заросшего сада. Сныть-трава» (1884; см. илл. на с. 389) заставляет нас ощутить тепло прогретой летним солнцем земли, шелест трав и цветов, терпкий аромат сныти. С сер. 1870-х гг. в творчестве Шишкина появляются зимние пейзажи, в которых виртуозно переданы мягкость пушистого снега и звенящая морозная тишина («Зимой в лесу», 1877).

Значительную часть наследия художника составляют рисунки и гравюры. Вместе с И. Н. Крамским, Н. Н. Ге, К. А. Савицким, В. М. Максимовым Шишкин участвовал в создании (1871) Общества русских аквафортистов (мастеров акватинты и офорта), участники которого сыграли большую роль в развитии авторской гравюры и эстампа. В 1891 г. в залах АХ была развёрнута большая персональная выставка Шишкина, на которой экспонировалось свыше 600 рисунков, этюдов и гравюр.

Учеником Шишкина был замечательный пейзажист Ф. А. Васильев. В родном городе художника Елабуге ныне открыт дом-музей И. И. Шишкина.

ШПАЛEРА (нем. spalier, от итал. spalliera – ряд деревьев), стенной безворсовый ковёр с орнаментальным или сюжетным изображением, вытканный ручным способом в технике репсового утoчного переплетения. Толстые нити неокрашенной основы (льняные или хлопчатобумажные) полностью закрываются цветными нитями утка (шерстяными, шёлковыми, золотыми или серебряными). Каждая утoчная нить ведётся только в границах своего красочного пятна. Моделью для шпалеры служит картон – эскиз в размер ковра, выполненный художником-картоньером. Узор создаётся цветными нитями утка на тканой основе иглой или крючком.

Мастерская У. Морриса «Поклонение волхвов». Шпалера. 1890 г. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

В Средние века образцом для шпалер служили в основном книжные миниатюры, в более позднее время – станковая и монументальная живопись. Ткач подбирает оттенки шерсти. Плавное соединение цветовых пятен достигается в старых образцах способом «штриховки», когда нити контрастного цвета чередуются, подобно штрихам, и создают иллюзию промежуточного тона. Шерстяная и шёлковая пряжа вплоть до 19 в. окрашивалась натуральными красителями, позднее стали использовать и химические.

Шпалеры называют также гобеленами, по наименованию ковроткаческой мануфактуры «Гобелен» в Париже.

ШТEРЕНБЕРГ Давид Петрович (1881, Житомир – 1948, Москва) – русский живописец, график, художник театра, педагог. Заведующий ИЗО Наркомпроса (1918-22). Член-учредитель и председатель Общества станковистов (1925-30). В 1905 г. учился в частной художественной школе в Одессе, в 1907-12 гг. – в Париже, в Школе изящных искусств и в академии А. Витти, среди преподавателей выделял имя К. Ван Донгена. В Париже жил в знаменитом «Улье» – доме-мастерской, где работали многие известные художники; выставлялся вместе с А. Матиссом, А. Дереном, Ф. Леже и др.

В ранний период творчества заметно влияние живописной системы П. Сезанна и кубизма. В сер. 1910-х гг. формируется собственный оригинальный метод художника. Штеренберг обращался в основном к натюрморту, пейзажу, портрету. В «Красном натюрморте» (1916) пространство лишено глубины, а предметы – объёма, цвет максимально ярок. Художник водит в композицию простую геометрическую форму – круглую плоскость стола.