Предприятие Рембрандта. Мастерская и рынок

Особенно это заметно, если проследить, как Рембрандт создавал автопортреты, причем не ранние, а поздние, выполненных после затишья 1640–1648 годов. Теперь они уже не служат этюдами, фиксирующими выражение лица, особенности освещения или костюма. Пропадают даже немногие студийные аксессуары, встречавшиеся в ранних работах: золотые цепи, шляпы с плюмажем, доспехи; отныне Рембрандт внимательно концентрируется, фокусируется на самом себе. Мы говорим, что эти поздние работы обнаруживают или открывают нам глубину, словно их отличает от остальных стремление Рембрандта глубже заглянуть в себя. Между тем, наоборот, здесь всё на поверхности – в том смысле, что художник высматривает себя в краске. Не вглядывается в себя, а приближается к картине настолько, что отождествляет с нею собственное «я», себя самого. Телесная вещественность многих его поздних работ, проявляющаяся не только в толщине красочного слоя, но и в своеобразном слиянии краски и плоти, которое можно отметить в «Лукреции» (ил. 116), «Клятве Клавдия Цивилиса» (ил. 4), «Воловьей туше» (ил. 117) и «Автопортрете с подстреленной выпью» (ил. 118), свидетельствует о растворении личности Рембрандта в живописи.

Саморепрезентацию Рембрандта можно было бы описать так: «Я пишу красками, следовательно я существую». Вернувшись к жанру автопортрета после восьмилетнего перерыва в 1648 году, он изобразил себя на офорте в амплуа художника, рисующего (или, может быть, гравирующего доску для офорта) у окна (ил. 142). Почти все автопортреты, созданные после 1648 года, выполнены в технике живописи. А на кенвудском (ил. 24), луврском и кёльнском автопортретах Рембрандт впервые пишет себя масляными красками в образе художника за работой, облаченного, как пристало в мастерской, в грубую блузу. Изображая себя в таком виде, Рембрандт не столько обращается к традиционной разновидности портретного жанра, не столько примеряет еще одну «роль», роль художника, сколько полностью, окончательно сливается со своей живописью, образуя с ней единое неразделимое целое. Он не определяет себя с профессиональной точки зрения как художник, он определяет свое собственное «я» через краску, свой материал[264].

Портреты и автопортреты художников в Нидерландах писались во множестве. Хотя они составляют лишь малую часть подобных произведений, автопортреты, созданные по заказу королей и принцев, во многих отношениях были квинтэссенцией данного поджанра, и знаменитая галерея автопортретов художников, собранная Медичи, в полной мере дает представление об интересе, который сильные мира сего испытывали к подобным картинам. Иногда при заказе особо оговаривалось, что художник должен изобразить себя в процессе создания картины или держащим в руках миниатюру с изображением фигур, написанных его рукой, – именно такие требования предъявил агент Медичи ван Мирису. Автопортреты подобного типа констатировали и утверждали установленный порядок: художник, воспринимавшийся как служитель принца, преподносил ему свое изображение, способствовавшее укреплению определенного социального порядка и упрочению определенного взгляда на искусства (ил. 27). Ту же идею транслируют и портреты других художников: автопортреты, выполненные не для монархов, а для простых клиентов, портреты живописцев за работой, например голландские картины, изображающие художника за мольбертом с музыкальным инструментом в руках (это далеко не всегда автопортреты), и те автопортреты художников, которые не отсылают к профессии, но демонстрируют его принадлежность какому-либо социальному институту, например семье. Рубенс, очень не любивший писать себя самого, создавал автопортреты только для короля и для друзей или запечатлевал себя вместе с женами. Даже если художник предназначал автопортрет в подарок другу, как, в частности, Пуссен – Пуантелю и Шантел́у, в основе такой картины лежало стремление очертить и обозначить дефиницию Искусства, определить статус художника. В этом смысле иконографические исследования не ошибаются. Я хотела бы обратить внимание не столько на различия во взглядах на искусство и художников, сколько на тот факт, что подобные взгляды были широко распространены, часто находили материальное воплощение в художественных произведениях и обсуждались[265].