Читаем Советские двадцатые полностью

Желая показать нечто из советской архитектуры, английский ученый допускает досадный прокол, превознося такое масштабное, но весьма небесспорное достижение 1920‐х годов как здание Госпрома в Харькове (архитектор Сергей Серафимов, при участии Самуила Кравца и Марка Фельгера, 1925–1928; рис. 43)[40], вернее, не состоявшийся Дом правительства республики, столицей которой после нэпа стал Киев. Сопоставляя этот памятник с ни много ни мало Баухаусом в Дессау, Бэнем скорее принижает значение немецкой постройки, нежели возвеличивает советский объект. Его забавляют висячие переходы между корпусов, в том плане, что практической необходимости в них не было, так как улицы, которые они перешагивают, появились позднее[41]. Он видит в этом мотиве влияние Америки как реальной, так и вымышленной (ведь лишь немногим в ту пору довелось увидеть Нью-Йорк своими глазами) — с утрированно плотной застройкой, порождающей движение в разных уровнях — как это блестяще воплощено в декорациях к фильму «Метрополис».

Советские архитекторы действительно любили такие переходы; скажем, Ной Троцкий заполнил ими двор своего Дома советов Нарвского района в Ленинграде (1931–1934; рис. 44) — без какой-то функциональной причины. Харьковский гигант тоже был задуман в северной столице, где жил и умер Сергей Серафимов (и это здание изображено на его могильной плите), которого назвать конструктивистом не поворачивается язык. Ведь помимо упомянутых переходов этот памятник сближает с новейшими течениями разве что отсутствующий декор; стены голые, верно, но все остальное — явный, отнюдь не зашифрованный академизм. Сказать, что у Гропиуса в Дессау вышло так же, означало бы сильно упростить картину. Бэнему в 1960‐е годы это сближение было нужно из полемических соображений, тогда как в наши дни Госпром впечатляет размерами, и только. А причудливая фигура автора (ничем иным не прославившегося) лишний раз напоминает о противоречиях той эпохи. Впрочем, похоже, что в «искусстве возможного» так было всегда. Крупнейшее здание своего времени и, как ни крути, один из символов эпохи нэпа в СССР создал почти совершенно не заметный архитектор старой выучки. Кстати, другому соседу РСФСР, Казахстану, Дом Правительства (Алма-Ата, 1929–1931; рис. 45) подарил уже Моисей Гинзбург, один из лидеров конструктивизма, тоже построивший мало, впрочем, по иным причинам.

Мог ли Серафимов, точнее, его главное творение, попасть на выставку в Нью-Йорк? Что ж, помимо Райта, американский ответ современному движению был представлен там еще и Раймондом Худом[42] (при всей спорности обращения к столь откровенному ар-деко рядом с более радикальными работами европейцев), в те годы как раз возводившим неподалеку от MOMA Рокфеллер-центр (рис. 46), стилистически харьковскому ансамблю близкий, только — по меткому наблюдению Колхаса (а Худ — один из главных героев его книги[43]) — выдавленный сеткой улиц Манхэттена ввысь. Старый свет в ту пору небоскребами похвастаться не мог, так что о соревновании по высоте речи не шло, а вот в отношении ансамблевых качеств Серафимов американца даже превосходит. Может быть, поэтому его и не взяли. Замечу в скобках, что точно так же и послевоенные высотки Москвы примечательны отнюдь не своей высотой, а шириной.

* * *

Экспозиция в Нью-Йорке не стала дебютом советского зодчества в стране, которая в дальнейшем станет флагманом модернизма. Возможно, это не первое и при этом очень робкое появление советской архитектуры на американской сцене. Однако, учитывая важность выставки и концептуальный характер опубликованного тогда же анализа «интернационального» стиля — анализа, выполненного Хичкоком и Джонсоном в формалистском ключе, почти по Вельфлину, — нельзя не пожалеть, что в одном ряду с европейскими и американскими знаменитостями не встали крупнейшие русские мастера 1920‐х годов. Неужели при взгляде с другой стороны земного шара то, что кажется таким значительным нам, должно было превратиться в жалкий пример экспрессионистского эпигонства (как институт в Лефортове)? Или взгляд этот все же искажен враждебным отношением кураторов ко всему советскому? Отчего не разглядели они ни левый уклон Леонидова, ни правый Мельникова, ни центр Серафимова? Как и многих других талантливых архитекторов, работавших в эпоху нэпа и сразу после него, когда еще столь многое было возможно?

Перейти на страницу:

Все книги серии Очерки визуальности

Внутри картины. Статьи и диалоги о современном искусстве
Внутри картины. Статьи и диалоги о современном искусстве

Иосиф Бакштейн – один из самых известных участников современного художественного процесса, не только отечественного, но интернационального: организатор нескольких московских Биеннале, директор Института проблем современного искусства, куратор и художественный критик, один из тех, кто стоял у истоков концептуалистского движения. Книга, составленная из его текстов разных лет, написанных по разным поводам, а также фрагментов интервью, образует своего рода портрет-коллаж, где облик героя вырисовывается не просто на фоне той истории, которой он в высшей степени причастен, но и в известном смысле и средствами прокламируемых им художественных практик.

Иосиф Бакштейн , Иосиф Маркович Бакштейн

Документальная литература / Биографии и Мемуары / Публицистика / Документальное
Голос как культурный феномен
Голос как культурный феномен

Книга Оксаны Булгаковой «Голос как культурный феномен» посвящена анализу восприятия и культурного бытования голосов с середины XIX века до конца XX-го. Рассматривая различные аспекты голосовых практик (в оперном и драматическом театре, на политической сцене, в кинематографе и т. д.), а также исторические особенности восприятия, автор исследует динамику отношений между натуральным и искусственным (механическим, электрическим, электронным) голосом в культурах разных стран. Особенно подробно она останавливается на своеобразии русского понимания голоса. Оксана Булгакова – киновед, исследователь визуальной культуры, профессор Университета Иоганнеса Гутенберга в Майнце, автор вышедших в издательстве «Новое литературное обозрение» книг «Фабрика жестов» (2005), «Советский слухоглаз – фильм и его органы чувств» (2010).

Оксана Леонидовна Булгакова

Культурология
Короткая книга о Константине Сомове
Короткая книга о Константине Сомове

Книга посвящена замечательному художнику Константину Сомову (1869–1939). В начале XX века он входил в объединение «Мир искусства», провозгласившего приоритет эстетического начала, и являлся одним из самых ярких выразителей его коллективной стилистики, а после революции продолжал активно работать уже в эмиграции. Книга о нем, с одной стороны, не нарушает традиций распространенного жанра «жизнь в искусстве», с другой же, само искусство представлено здесь в качестве своеобразного психоаналитического инструмента, позволяющего реконструировать личность автора. В тексте рассмотрен не только «русский», но и «парижский» период творчества Сомова, обычно не попадающий в поле зрения исследователей.В начале XX века Константин Сомов (1869–1939) входил в объединение «Мир искусства» и являлся одним из самых ярких выразителей коллективной стилистики объединения, а после революции продолжал активно работать уже в эмиграции. Книга о нем, с одной стороны, не нарушает традиций распространенного жанра «жизнь в искусстве» (в последовательности глав соблюден хронологический и тематический принцип), с другой же, само искусство представлено здесь в качестве своеобразного психоаналитического инструмента, позволяющего с различных сторон реконструировать личность автора. В тексте рассмотрен не только «русский», но и «парижский» период творчества Сомова, обычно не попадающий в поле зрения исследователей.Серия «Очерки визуальности» задумана как серия «умных книг» на темы изобразительного искусства, каждая из которых предлагает новый концептуальный взгляд на известные обстоятельства.Тексты здесь не будут сопровождаться слишком обширным иллюстративным материалом: визуальность должна быть явлена через слово — через интерпретации и версии знакомых, порой, сюжетов.Столкновение методик, исследовательских стратегий, жанров и дискурсов призвано представить и поле самой культуры, и поле науки о ней в качестве единого сложноорганизованного пространства, а не в привычном виде плоскости со строго охраняемыми территориальными границами.

Галина Вадимовна Ельшевская

Культурология / Образование и наука

Похожие книги

100 лет современного искусства Петербурга. 1910 – 2010-е
100 лет современного искусства Петербурга. 1910 – 2010-е

Есть ли смысл в понятии «современное искусство Петербурга»? Ведь и само современное искусство с каждым десятилетием сдается в музей, и место его действия не бывает неизменным. Между тем петербургский текст растет не одно столетие, а следовательно, город является месторождением мысли в событиях искусства. Ось книги Екатерины Андреевой прочерчена через те события искусства, которые взаимосвязаны задачей разведки и транспортировки в будущее образов, страхующих жизнь от энтропии. Она проходит через пласты авангарда 1910‐х, нонконформизма 1940–1980‐х, искусства новой реальности 1990–2010‐х, пересекая личные истории Михаила Матюшина, Александра Арефьева, Евгения Михнова, Константина Симуна, Тимура Новикова, других художников-мыслителей, которые преображают жизнь в непрестанном «оформлении себя», в пересоздании космоса. Сюжет этой книги, составленной из статей 1990–2010‐х годов, – это взаимодействие петербургских топоса и логоса в турбулентной истории Новейшего времени. Екатерина Андреева – кандидат искусствоведения, доктор философских наук, историк искусства и куратор, ведущий научный сотрудник Отдела новейших течений Государственного Русского музея.

Екатерина Алексеевна Андреева

Искусствоведение
Страдающее Средневековье. Парадоксы христианской иконографии
Страдающее Средневековье. Парадоксы христианской иконографии

Эта книга расскажет о том, как в христианской иконографии священное переплеталось с комичным, монструозным и непристойным. Многое из того, что сегодня кажется возмутительным святотатством, в Средневековье, эпоху почти всеобщей религиозности, было вполне в порядке вещей.Речь пойдёт об обезьянах на полях древних текстов, непристойных фигурах на стенах церквей и о святых в монструозном обличье. Откуда взялись эти образы, и как они связаны с последующим развитием мирового искусства?Первый на русском языке научно-популярный текст, охватывающий столько сюжетов средневековой иконографии, выходит по инициативе «Страдающего Средневековья» — сообщества любителей истории, объединившего почти полмиллиона подписчиков. Более 600 иллюстраций, уникальный текст и немного юмора — вот так и следует говорить об искусстве.

Дильшат Харман , Михаил Романович Майзульс , Сергей Олегович Зотов

Искусствоведение
Страдающее Средневековье. Парадоксы христианской иконографии
Страдающее Средневековье. Парадоксы христианской иконографии

Эта книга расскажет о том, как в христианской иконографии священное переплеталось с комичным, монструозным и непристойным. Многое из того, что сегодня кажется возмутительным святотатством, в Средневековье, эпоху почти всеобщей религиозности, было вполне в порядке вещей.Речь пойдёт об обезьянах на полях древних текстов, непристойных фигурах на стенах церквей и о святых в монструозном обличье. Откуда взялись эти образы, и как они связаны с последующим развитием мирового искусства?Первый на русском языке научно-популярный текст, охватывающий столько сюжетов средневековой иконографии, выходит по инициативе «Страдающего Средневековья» – сообщества любителей истории, объединившего почти полмиллиона подписчиков. Более 600 иллюстраций, уникальный текст и немного юмора – вот так и следует говорить об искусстве.

Дильшат Харман , Михаил Романович Майзульс , Сергей Зотов , Сергей Олегович Зотов

Искусствоведение / Научно-популярная литература / Образование и наука