Искусство XX века. Ключи к пониманию: события, художники, эксперименты

Пейзаж с красными крышами Мориса де Вламинка напоминает о методе Сезанна, но анализ формы здесь не имеет большого значения. Для художника гораздо важнее эффектное декоративное сочетание красок. В этом случае не важна проработка фактуры предметов и другие их характеристики. Цвету просто нужны некоторые границы, а предметы позволяют их очертить. Отчётливо видно, что, оттолкнувшись от опыта постимпрессионистов, фовисты стали развивать идею силы и самодостаточности цвета. Они отвергли символику, невыразимость сложных чувств, ушли от мифологии, не стали анализировать природу по-сезанновски. Остались только чистые и счастливые краски. Цвет стал единственным героем картин, ведь его способен видеть и воспринимать почти каждый.

Альбер Марке. Мост Сен-Мишель и Нотр-Дам. 1905 г. Музей изящных искусств, По

Картины фовистов не всегда резкие и кричащие. В работах Альбера Марке радость звучит тихо и плавно. В его марсельских пейзажах палитра состоит из жемчужно-серого, бирюзы и бледной охры. Но даже серый не несёт оттенка грусти. Он преобладает в парижских видах, где неизменно встречается Сена с её многочисленными мостами. Художник, добавляя к светло-серому тёплые оттенки, делает его прозрачным и нежным. Это придаёт масляной живописи Марке эффект акварели.

Альбер Марке. Порт в Марселе. 1916 г. Музей искусств Охары, Курасики

Чем более южный город он писал, тем прозрачнее оказывался цвет, тем больше света и тепла попадало в пейзаж.

Он будто подогревал или охлаждал картину красками в зависимости от города, который изображал. Париж кажется прохладнее Марселя: для каждого города – свой набор цветов и оттенков. Для пейзажа Марке выбирал доминирующий цвет и заполнял им большие плоскости, без мелких вкраплений мазков других цветов. Как и все фовисты, он обобщил форму, выбрал главные цвета и «разлил» их в картине.

«Дикость» фовистов выражается не только в простоте и яркости формы, но порой и в её грубости. Голубая обнажённая Анри Матисса напоминает архаическую статую, непропорциональную и мощную, будто вырубленную из камня древним скульптором. Синие пятна теней на её коже не кажутся лёгкими и скользящими, и это делает облик женщины неестественным, пугающим.

Анри Матисс. Голубая обнажённая. 1907 г. Частная коллекция

Упрощённость фигур Сезанна и Гогена не так далеко отстоит от классики по сравнению с тем, что делает Матисс. Начиная свой творческий путь, как многие, с копирования классической живописи в Лувре, Матисс понимал, что реалистическое искусство исчерпало себя. Курс, взятый на неопримитивизм, увёл живопись не только от копирования реальности, но и от привычных представлений о прекрасном. Поскольку целью стало возвращение искусства к первозданности, художник воспроизводил форму так, как это делал бы древний мастер, незнакомый с идеалами красоты западноевропейского искусства: подчёркивая мощь, телесную силу, ставя акцент на наиболее важных частях фигуры.

Свежесть красок, дикарская первобытность обнажённых тел воплотились в панно Анри Матисса «Танец». На интенсивном ультрамариновом фоне показаны танцующие в хороводе оранжево-красные фигуры. Цвет отсылает к изображениям на древнегреческих вазах, но в этом стоит видеть напоминание о начале европейской цивилизации, а не классическом идеале красоты. Художник возвращается к схематической и условной трактовке тела, как это делалось в древности. Вместе с тем важно было показать наготу – знак жизни, красоты, молодости.

Анри Матисс. Танец. 1910 г. Эрмитаж, Санкт-Петербург