Шок новизны

А вот во Франции отказник от авангарда не побрезговал стать официальным государственным художником. Речь идет о Даниэле Бюрене, который в 1967 году в порыве эгалитаризма заявил, что «любое искусство реакционно» и художник – лишь менеджер чужих фантазий: «Он „красивый“ для других, „талантливый“ для других, „оригинальный“ для других, но это всего лишь высокомерное и презрительное отношение к „другим“». Чтобы покончить с эстетическим элитизмом, Бюрен сделал в 1968 году выставку в рамках Майского салона: на 200 афишных тумбах по всему городу и на щитах «людей-сэндвичей», бродящих перед музеем, разместили бело-зеленую полосатую ткань, которая неискушенному глазу могла показаться просто образцами ткани для маркиз. «Пожалуй, единственное, что можно сделать, увидев наши холсты, – говорил Бюрен в интервью, – это тотальную революцию». Нельзя не отметить, что очень скоро, в мае 1968 года, волнения начались, хотя невозможно сказать, насколько этому способствовали полосатые холсты Бюрена. Тем не менее к середине 80-х Бюрен стал одной из ключевых фигур для французских левых, и Жак Ланг[128] пустил его во двор Пале-Рояль (это место памятно событиями первых лет Великой французской революции). Бюрен поставил там полосатые мраморные пеньки разной высоты, под которыми со звуком «пи-пи» журчат потоки хлорированной воды, – бессмысленный объект, и особенно абсурдно он смотрится во дворе столь прославленного дворца.

Радикальные художники 70-х пренебрежительно относились к арт-рынку и «товаризации» искусства. Однако тогда рынок был лишь хилой порослью – по сравнению с тем монстром, каким он стал в 80-е. Экономическая зависимость Искусства от Капитала породила досаду. Художники все еще верили в идеи 1968 года: что капитализм – чистое зло, породившее расизм, войны и угнетение; новые формы для этого старого багажа нашли лишь в 80-х. Тогда пришло отчетливое понимание, что потуги на «героическое» искусство (кавычки выросли еще в 70-х) – это фальшивка, пыль в глаза. Одной из твердых опор на этом скользком поприще стал Марсель Дюшан.

В конце 60-х Дюшан снискал среди молодых художников такой же статус, как Пикассо в 40-е. Однако была и существенная разница. Пикассо был живым прообразом «героического модерниста»: он имел дело с миром во всех его проявлениях и пропускал его через свои безудержные эмоции, не утратившие, несмотря на старость, своего накала и породившие самую сексуально ожесточенную живопись XX века; он навязывал себя миру, как Рубенс. Дюшан же был поэтом энтропии. В то время никто не мог противостоять Пикассо, но Дюшану удалось найти небольшое, но изолированное пространство свободы, которое оказалось доступным для десятков молодых художников. Свобода эта была совершенно спонтанной. Это было право денди совершенствовать жест в столь малом масштабе, в каком ему хотелось. Дюшан изобрел категорию «ультратонкого», «сверхмалого», – например, это разница в весе между чистой рубашкой и рубашкой, которую надевали один раз. Содержимое дюшановского флакончика с парижским воздухом было ультратонким. Он предложил создать «трансформатор, работающий на мелких, неиспользуемых видах энергии», – например, смешок или выдыхание дыма. (В некоторых художественных кругах Нью-Йорка этот аппарат мог бы оказаться весьма полезным.) С одной стороны, беспокоиться о вещах столь малосущественных – чистый дендизм, виньетки, трата времени. Но с другой – у нас есть заявленная критическая задача: в окружении других вещей искусство – маленькая вещь, и занимаемся мы им только для того, чтобы начать думать чуть-чуть яснее. Никто – во всяком случае, ни один разумный человек, как дает понять Дюшан, – не может рассчитывать на то, что ему удастся изменить общество посредством искусства. Именно поэтому ангажированный немец Йозеф Бойс нападет сейчас на Дюшана, утверждая, что его тишина и несопротивление переоценены – впрочем, вероятно, не больше, чем шум Бойса.

Пабло Пикассо. Nu couche et tete (Лежащая обнаженная и голова). 1972. Холст, масло. 130×195 см. Центр Жоржа Помпиду

Культ «ультратонкого» спровоцировал общую реакцию на то, чем стало в Америке стандартное модернистское музейное искусство: большие, технично написанные яркими цветами «постживописные» холсты, призванные доставить интеллектуальное, порой весьма расплывчатое визуально удовольствие: таковы работы Хелен Франкенталер, Мориса Луиса, Кеннета Ноланда. Вместо них Дюшан предложит искусство настолько маленькое – и несущественное, – что его даже трудно заметить. Отсюда происходят скульптурные произведения таких художников, как Ричард Таттл, – коврики мышиного цвета или куски гнутой проволоки. Таттл представлял США на Венецианской биеннале 1976 года. Он выставил некрашеный кусок дерева чуть длиннее карандаша и толщиной два сантиметра. Это трогательное переиначивание политического лозунга Рузвельта – говорить тихо, но ходить с большой палкой. Как после этого зритель мог жаловаться на американский культурный империализм?